Come si costruisce concretamente, oggi a Napoli, un nuovo universo di senso attraverso i suoni? Ne abbiamo parlato con Lillo Boncordo, curatore del Campania Jazz Med Festival e animatore dell'associazione Suoni nel Mediterraneo.
C’è una linea di tensione profonda che attraversa Napoli in questo preciso momento storico, ed è una linea che parla a tutta l’Italia di cosa significhi oggi fare cultura, formare coscienze critiche e difendere gli spazi di aggregazione.
Da un lato assistiamo a una straordinaria fioritura artistica: una città laboratorio che non si limita a custodire la tradizione, ma riscrive costantemente il proprio immaginario facendosi palcoscenico d’elezione per le avanguardie internazionali più complesse. Dall’altro lato, proprio in queste settimane, il tessuto vivo del centro storico subisce colpi durissimi con la chiusura e i sigilli imposti a presidi storici della musica dal vivo e della socialità come il Mamamu in via Sedile di Porto — fermato dopo trent’anni di storia — e, poco prima, il Kestè a Largo San Giovanni Maggiore.
Tenere insieme questi due dati di realtà è indispensabile per comprendere il panorama musicale partenopeo contemporaneo. Perché Napoli è una città complessa, specchio più di ogni altra metropoli di ciò che si muove a livello culturale nel Paese. È una città che non si lascia imbavagliare e che, in un’epoca in cui la parola “violenza” ha fatto da padrone sulle cronache quotidiane, si è distinta dimostrando una grandissima prova di civiltà: quella di non aver perso la testa, rispondendo alle tensioni del presente con l’intelligenza collettiva, la creatività e la partecipazione.
La musica che riscrive l’immaginario e libera le coscienze
A Napoli la musica non è mai semplice sottofondo o consumo passivo: è uno strumento di emancipazione che educa all’ascolto dell’altro e alla complessità. Lo abbiamo già rilevato osservando il percorso di luoghi come l’Auditorium Novecento, divenuto sempre più spesso approdo naturale per la ricerca sonora globale, e lo vediamo nel moltiplicarsi di iniziative che portano in città linguaggi esigenti, radicali, lontani dalle logiche commerciali. Quando i palchi e i complessi monumentali cittadini entrano in risonanza con il pianismo percussivo e ancestrale del brasiliano Amaro Freitas o con l’ipnosi geometrica del duo svizzero formato da Nik Bärtsch e Sha, accade qualcosa di profondamente politico: si abbattono i confini tra alto e basso, tra radice locale e avanguardia globale. Sono esperienze che formano coscienze libere e creative perché costringono ad abitare l’imprevisto, a uscire dalla propria zona di comfort, a decodificare il contemporaneo senza filtri.
Il cortocircuito degli spazi chiusi: perché spegnere i club ferisce la città
È proprio dentro questa cornice di fermento che la chiusura di spazi come il Kestè e il Mamamu suona come un campanello d’allarme che non può lasciarci indifferenti. Chiudere o penalizzare i luoghi storici della musica dal vivo non fa bene a una città come Napoli. Il rischio evidente è quello di scivolare verso una concezione schizofrenica della cultura: da una parte la città-brand, vetrina per grandi flussi e spettatori passivi; dall’altra la desertificazione dei laboratori permanenti dal basso, quei club dove per decenni i giovani musicisti si sono incontrati, hanno sperimentato linguaggi nuovi e hanno costruito anticorpi sociali contro il degrado e l’isolamento. Senza la linfa vitale dei piccoli spazi indipendenti, anche la grande progettualità internazionale rischia di rimanere una cattedrale nel deserto. La musica ha bisogno di un ecosistema integro fatto di vicoli e di monumenti, di cantine dove sbagliare accordi e di sale storiche dove consacrare la ricerca.
Dialogo con chi promuove l’arte: la visione di Lillo Boncordo
Ma come si costruisce concretamente, oggi a Napoli, un nuovo universo di senso attraverso i suoni? Come si tiene vivo questo spazio di frontiera creativa?
Ne abbiamo parlato con uno degli attori che in città stanno promuovendo l’arte e la contaminazione internazionale: Lillo Boncordo, curatore del Campania Jazz Med Festival (inserito nel programma diffuso «Cultura Napoli 2026») e animatore dell’associazione Suoni nel Mediterraneo.
Da quale urgenza nasce oggi la necessità di progettare musica di ricerca a Napoli?
«Nasce dall’esigenza concreta di consolidare Napoli come un autentico hub internazionale del jazz contemporaneo. Sentiamo l’urgenza di creare un dialogo osmotico tra lo straordinario patrimonio storico-architettonico della città e le forme più innovative della musica globale, con l’obiettivo di trasformare luoghi di interesse storico e paesaggistico, come il Complesso Monumentale di Santa Maria la Nova, in uno spazio di “frontiera creativa”, capace di unire la storia millenaria di una città come Napoli e di una regione come la Campania alla natura inclusiva e libera del jazz».
Che tipo di lavoro c’è dietro la costruzione di queste reti culturali sul territorio?
«La nostra realtà, Suoni nel Mediterraneo, unisce figure con background complementari: musicisti, curatori culturali, studiosi ed esperti di produzione live e divulgazione. Il nostro lavoro affianca la ricerca musicologica sul campo — come testimoniato dai talk curati insieme a figure di grande spessore come Paolo Uva e Lino Volpe — alla gestione degli eventi sul territorio. Ci muoviamo da sempre all’incrocio tra la valorizzazione delle eccellenze campane e lo scouting dei linguaggi musicali europei ed extraeuropei, convinti che la progettazione culturale debba unire rigore artistico, accessibilità e impatto sociale».
Se dovesse riscrivere il significato della parola “jazz” nel presente, quale immagine e quali suoni sceglierebbe?
«Se penso alla parola “jazz”, la prima immagine che mi viene in mente è un filo teso sospeso nel vuoto, senza rete sotto e un musicista che vi cammina sopra, con un ritmo elastico, propulsivo e sincopato creando una sensazione di dondolio e spinta in avanti, perché se ci pensiamo, il jazz è una forma di equilibrio sull’orlo del precipizio. Per quanto riguarda i suoni, più che a uno standard d’epoca, penso subito alla tensione percussiva e ipnotica di un brano come Modul 26 di Nik Bärtsch o alle poliritmie telluriche di Dança de Xangô di Amaro Freitas. Brani che ridefiniscono il termine stesso di “jazz” strappandolo alla nostalgia per restituirlo al presente».
Napoli risponde sempre con grande maturità alle proposte più complesse. Quali sono le radici di questa coscienza d’ascolto?
«Napoli è per definizione una città polifonica. Le radici del suo ascolto poggiano su secoli di stratificazioni: dalla grande scuola musicale del Settecento alle melodie popolari di matrice mediterranea, fino all’incontro con i suoni afroamericani portato dagli Alleati nel dopoguerra. Il pubblico partenopeo possiede un orecchio esigente ma visceralmente aperto alla contaminazione; non subisce il concerto come un rito passivo, ma partecipa a una vera e propria comunione ritmica ed emotiva con l’esecutore».
Dove sta andando oggi il panorama musicale della città?
«Oggi Napoli vive una stagione di straordinaria vitalità compositiva, caratterizzata da un respiro internazionale che non rinnega mai la propria identità. Lo vediamo bene nella nostra scena pianistica e autorale, rappresentata ad esempio da Elisabetta Serio e dal suo trio acustico: c’è un lirismo profondo che incontra il dinamismo del jazz moderno, l’elettronica, la canzone d’autore e i ritmi del Sud del mondo. La musica napoletana si sta affermando come linguaggio globale, capace di parlare al mondo senza per forza ostentare un folklore di facciata».
Qual è il filo rosso che permette a linguaggi così complessi — dal rigore di Nik Bärtsch & Sha al rito di Amaro Freitas fino al lirismo di Elisabetta Serio — di dialogare con l’anima e l’architettura di Napoli?
«Il filo conduttore è la dimensione spirituale e architettonica del suono. Uno spazio come il Complesso Monumentale di Santa Maria la Nova non è un semplice contenitore: le sue geometrie rinascimentali e la sua memoria sacra dialogano direttamente con la materia sonora. Il rigore ipnotico della Ritual Groove Music di Nik Bärtsch & Sha riflette la precisione geometrica e meditativa dello spazio; il pianismo percussivo e ancestrale di Amaro Freitas riconnette la pietra monumentale con la sacralità della terra e le radici afro-brasiliane; il lirismo intimo di Elisabetta Serio incarna la voce dell’anima partenopea che risuona naturalmente tra quelle mura. Tre anime diverse unite dalla ricerca dell’essenziale e dalla capacità di abitare il silenzio prima della nota».
Viviamo in un’epoca in cui l’Intelligenza Artificiale genera musica algoritmica competitiva. La domanda non è più se l’IA sia creativa, ma se lo siamo ancora noi. Perché difendere gli spazi della musica dal vivo è fondamentale per restare umani?
«Perché un’esperienza dal vivo tutela la creatività umana mettendo al centro ciò che nessun algoritmo può replicare: il rito, l’errore fertile, l’imprevisto e la presenza corporea. Nel jazz contemporaneo il suono nasce dall’attrito tra il respiro del musicista, l’acustica dell’architettura e la risposta emotiva del pubblico in quell’esatto millesimo di secondo. Uno spazio musicale resta umano se è luogo di comunità: per questo sono fondamentali i laboratori e i momenti di confronto. Non dobbiamo offrire semplicemente musica da consumare, ma uno spazio condiviso di confronto, pensiero critico e relazione interpersonale».
Qual è la sfida per il futuro di chi fa progettazione culturale in questa città?
«Il futuro significa ampliare l’idea di “spazio di frontiera creativa”. Vogliamo trasformare questa scintilla in una rete permanente che colleghi Napoli alle rotte sonore del Mediterraneo e del resto del mondo. Oltre ai concerti, l’obiettivo è far nascere residenze artistiche, produzioni originali e incontri inediti tra l’eredità monumentale della Campania e le avanguardie della musica globale, puntando a rendere Napoli sempre più una città che non si limita a ospitare la musica, ma la genera attraverso l’ascolto e la contaminazione».
Facciamoci riscrittori dell’immaginario: non limitiamoci a subire la chiusura degli spazi, torniamo a sostenere chi crea.
Napoli non ha bisogno di vetrine mute o di una cultura ridotta a brand turistico, ma di luoghi vivi, di orecchie aperte e di coscienze libere.
Mentre i presidi di prossimità del centro storico subiscono colpi durissimi, la risposta più forte che possiamo dare è esserci: riempire i luoghi della musica, sostenere chi progetta e dare spazio a chi sperimenta.
Continuate a seguire la scena musicale napoletana e le nostre pagine su ReWriters: saremo presenti per voi al Pomigliano Jazz Festival per raccontare le prossime tappe di questa grande fucina di idee.
Vi invitiamo inoltre a seguire e a sostenere i percorsi e le future edizioni del Campania Jazz Med Festival (al Complesso Monumentale di Santa Maria la Nova) e le traiettorie artistiche straordinarie che hanno animato il dibattito culturale, a partire da tre imperdibili maestri della ricerca sonora contemporanea:
Nik Bärtsch & Sha (con il loro rigore geometrico e la Ritual Groove Music)
Amaro Freitas (con il suo pianismo percussivo e ancestrale legato alle radici afro-brasiliane)
Elisabetta Serio Acoustic Trio (con il lirismo intimo e profondo del progetto Be Coming)
Sosteniamo la musica dal vivo come atto politico, come diritto inalienabile e come presidio permanente di democrazia e libertà.
